Воскресенская Тамара Ивановна (1914—1986)

Тамара Ивановна Воскресенская (1914—1986) — советский скульптор и художник по фарфору.  Основную часть своего творчества воплотила на Дулёвском фарфоровым заводе. Член Союза художников СССР.

Родилась в семье преподавателя духовного училища.

Окончив школу, поступила в строительно-коммунальный техникум.

В 1940 г. поступила в Московский институт прикладного и декоративного искусства, который закончила в 1947 году с отличием, получив специальность «художник декоративного искусства».

После окончания института преподавала на кафедре композиции в Московском высшем художественно-промышленном училище (бывшем Строгановском).

В 1952 г. семь месяцев проработала в управлении «Ашхабадстрой», затем вернулась к преподавательской деятельности, которой занималась до 1956 года.

В начале 1956 г. Тамара Ивановна пришла на работу скульптором в художественную лабораторию Дулёвского фарфорового завода, где создавала формы сервизов, сувениры, наборы посуды.

Искусствовед А. Б. Салтыков, художественный руководитель гжельского керамического промысла — высоко ценил творчество художницы и писал, что в «своих работах она исходит из совершенно самостоятельного понимания формы сосудов и задач их создания. Иногда отправным моментом является форма, наблюдаемая в жизни, в других случаях — какой-нибудь стереометрический объём, в-третьих — собственная фантазия, которую трудно связать с каким-то определённым объектом».

На творчество Воскресенской повлияло и её давнее увлечение древнерусским и украинским народным искусством. В 1970—1980 гг. Тамара Ивановна работала в фаянсе, создала ряд работ в мозаике, декоративно-прикладной скульптуре.

Художественные работы Т. И. Воскресенской имеются в Музее Дулёвского фарфорового завода, Музее керамики в Кусково, Алтайском краевом музее изобразительного искусства и Пермской художественной галерее. Её работы экспонировались на зарубежных художественных выставках в Познани (1955, 1958, 1961), в Вене (1957), Всемирной выставки в Брюсселе (1958) и Париже (1961).

Богданова Ольга Михайловна (1921—2006)

Ольга Михайловна Богданова (1921—2006) — российский и советский скульптор-фарфорист, Член Союза художников СССР. Основную часть своего творчества воплотила на Дулевском фарфором заводе.

Ольга Михайловна родилась 20 июля 1921 года в городе Мосальск в Калужской области. В первые военные годы Богданова трудилась на московском заводе. В октябре 1944 года Ольга Михайловна поступила в Московский институт прикладного и декоративного искусства (МИПиДИ) на факультет монументальной скульптуры. Среди её наставников были В. А. Фаворский (рисунок), Е. А. Львов (живопись), Б. Н. Ланге и Л. М. Писаревский (оба лепка). После окончания МИПиДИ в 1950 году Ольга Михайловна работала на Дулевском фарфоровом заводе, где основным направлением её творчества были жанровые скульптуры на тему счастливого детства, современной жизни, а также скульптуры по мотивам русских сказок и уральских сказов П. П. Бажова.

Ольгу Михайловну интересовала область декоративной скульптуры малых форм. Её творчеству свойственна большая поэтичность, душевность и благородство. Выразительность образов достигалась скульптором очень сдержанными средствами. Большую роль в этом играло тонкое понимание декоративных свойств материала.

Участвовать в художественных выставках Ольга начала с 1952 года. По командировке от Министерства местной промышленности Богданова принимала участие в международной промышленной выставке, проходившей в 1956 году в Афганистане, после чего она создала несколько скульптур на тему Афганистана.

В 1960-х и 1970-х годах Ольга Михайловна создавала образцы новых форм посуды.

Работы Богдановой выставлены в коллекциях ВМДПНИ (Москва), ГМК «Кусково» (Москва), Музее Дулевского фарфорового завода, Тверской областной картинной галерее. Была награждена Бронзовой медалью на Всемирной выставке в Брюсселе (1958) и Почётным дипломом на Международной выставке керамики в Праге (1962).

Основные работы:
Маленькая хозяйка. Скульптура. 1952.
Купальщицы. Скульптура. 1963.
Туркменская ковровщица. Скульптура. 1955.
Народным защитникам. Скульптура. 1953.
Интересная книжка. Скульптура. 1957.
В саду. Скульптура. 1959.
Золотая антилопа. Скульптура. 1959.
Малахитница. Скульптура. 1956.
Сигнальщики. Скульптура. 1959.
Охотник с беркутом. Скульптура.1950-е г.
Золотой петушок. Туалетный набор. 1950-е г.
Афганский курильщик. Скульптура. 1950-е г
Шахерезада. Скульптура. 1960.
Морозко. Скульптура. 1960-е
У моря. Скульптура. 1960.
Моряки. Скульптура. 1960.
Кот. Кувшин. 1961.
Лиса. Кувшин. 1961.
Поросёнок. Кувшин. 1961.
Танцующая пара. Мексиканец и белоруска. Скульптура. 1960-е г.
Царевна-лягушка. Скульптура
Сорочинская ярмарка. Скульптура. 1960-е г.
Воевода. Скульптура. 1970-е г.
Чайник, сырная доска, маслёнка «Маки» 1979
Обнажённая. Скульптура. 1980-е

 

 

Гатилова Евгения Ильинична (1921-2021)

Гатилова Евгения Ильинична (1921-2021) – русский, советский скульптор. Родилась в семье учителей в селе Кшень Тимского уезда Курской губернии. В 1929 году семья перебралась в Москву.

После окончания школы в 1939 году Е.И. Гатилова поступает сначала на подготовительное отделение Московского института прикладного и декоративного искусства (МИПИДИ), а затем на первый курс факультета монументальной и декоративной скульптуры. Вторая Мировая Война прерывает обучение, и к занятиям Евгения Ильинична возвращается в 1943 году, в 1947 году закончив институт с отличием. Учителем и наставником Е.И. Гатиловой в институте был оказавший большое влияние на ее творчество скульптор-монументалист С.С. Алешин. Также среди ее преподавателей были Б. Н. Ланге, А. А. Дейнека, Е. А. Янсон-Манизер, З. В. Баженова, В. А. Васильев, Е.Ф. Белашова, В.И. Мухина, В.А. Фаворский и др. Начавшая свой творческий путь как скульптор-монументалист, Е.И. Гатилова сохранила крупные, обобщенные объемы монументальной скульптуры и в малой пластике. Её дипломной работой была выполненная в гипсе скульптура “Украинка”, предназначенная для установки в московском метро. В 1945 году она также работает над рельефами для Большого театра.

С 1947 года преподавала на кафедре Декоративной скульптуры в МИПИДИ. В 1951 году Е.И. Гатилова оставила преподавание и вместе с мужем, физиком-ядерщиком, уезжает в Капустин Яр, где проводились работы по испытанию советских баллистических ракет. В 1952 году возвращается в Москву. До 1956 года работала по договорам от производственного управления скульптурных и художественных мероприятий при художественном фонде СССР.

В 1956 году происходит событие, открывшее новую страницу в ее творческой деятельности. По совету своей однокурсницы, художника по фарфору и скульптора Т. И. Воскресенской, в этом же году пришедшей работать на Дулевский фарфоровый завод, Е.И. Гатилова решается показать свои работы главному художнику Дулевского фарфорового завода П. В. Леонову. Среди них были ставшие знаменитыми «Письмо на целину» и «На этюдах». В этом же году она начинает работать на Дулевском заводе, где будет создавать свои работы 35 лет: более 200 произведений, многие из которых вышли массовым тиражом.

Главная тема творчества художницы — образы обычных людей, запечатлённые в сериях «Сельские мотивы», «Женщины революции», «Психологический портрет», «Спорт», «Балет», «Человек и природа».

Известны её произведения на тему юности, физкультуры и спорта — «Девочка, входящая в воду», «Письмо на целину», «Лучница», «На этюдах», «Юная птичница», а также работы на литературную, театральную и цирковую темы — «Испанский танец», «Кукольный театр», «Балерина». Гатиловой созданы психологические портреты Александра Блока, Василия Шукшина, Александра Вертинского. Скульптура последнего под названием «Пьеро» пострадала в 1993 году, когда московская квартира Евгении Гатиловой попала под обстрел во время октябрьского путча, и позже была восстановлена скульптором.

Произведения художницы представлены в собраниях ГМК «Кусково», ГМЗ «Царицыно», музея Дулевского фарфорового завода, ВМДПНИ, Государственного Дарвиновского музея, Сергиево-Посадского ГМЗ, ООМИИ им. М. А. Врубеля, Астраханской картинной галереи им. П. М. Догадина, Вороновской картинной галереи, частных собраний. Её работы экспонируются на российских и международных художественных выставках.

Маргарита Михайловна Шепелева (Кожина) (1916 – 1972)

Маргарита Михайловна Шепелева (Кожина) (1916 – 1972) – советский художник, скульптор-фарфорист.

М.М. Шепелева родилась и выросла в семье кустаря-одиночки. В детстве увлеклась рисованиям, изображая улицы и жизнь родного города.

В 1932-1936 гг. обучалась в Художественно-промышленном техникуме им. М.И. Калинина, на отделении росписи по дереву, где любовь к рисунку ей привил Н.И. Филимонорв. Практику и дипломную работу выполнила в технике хохломской росписи. В 1936-39 гг., при подготовке к поступлению в вуз, работала на Тютчевской промартели по росписи токарной грушки.

В 1939 году Маргарита Михайловна поступила на керамический факультет Московского института прикладного и декоративного искусства. Вторая Мировая война прервала ее учебу, и в 1947 году она закончила инстут по специальности “художник декоративного искусства”. На формирование собственного художественного почерка повлияли такие преподаватели как Б.Н. Ланге, С.Ф. Николаев, В.А. Васильев. Пришла на Дулевский фарфоровый завод в 1947 г. Там она проработает 25 лет. Работая в творческой лаборатории завода, М.М. Шепелева создавала образцы для массового производства и уникальных выставочных работ. Она создавала подчеркивающие детали и форму, красочные формы для многих тиражных и авторских работ. Среди них “Прогулка” Н.А. Малышевой, “Маленькая хозяйка” и “Малахитовая шкатулка” О.М. Богдановой, “Курочка Ряба” и “Три девицы” Г.Д. Чечулиной,  “Девочка с письмом” Е.И. Гатиловой, “Матрешка-невеста” Р.Р. Михайловской-О’Коннель и др. Расписала Маргарита Михайловна и множество работ своего мужа, П.М. Кожина – от сказочных сюжетов до соцреализма (“Хозяйка медной горы”, “Сестрица Аленушка и братец Иванушка”, “Морской окунь”, “Сказка о глупом мышонке”, лампа “Каменный цветок”, “Гуси-лебеди”, “Солоха и дьяк”, “Спящая кошка Жиганка”, “Юный геолог”, “Дед Мороз”, вазы “1 мая” и “Выборы в Верховный Совет” и др.). Примечательны росписи сервизов “Город”, “Колхоз”, “Русская свадьба”, “Новые дома”, “Е. Онегин”, “Древняя Москва”. Как и агитационный фарфор (“Золотой ковер”, 1960; чашка и блюдце “Ленину слава!”, конец 1960-х).

Также совместно с Павлом Михайловичем в 1960-х гг. она выполняет фольклорные фигурки, статуэтки представляющие жизнь народностей («Любимая курочка», 1964; «Московская», 1967; «Армения», 1967 и др.). Также М.М. Шепелева пробовала и свои силы в создании посудных форм и моделей скульптур (“На каникулы”, 1965; “Снегурочка”, 1966; “Акулька”, 1967; “Балалаечник” и др.). М.М. Шепелева находила вдохновение в русской народной игрушке и народных узорах, адаптируя их к ритмически образному строю собственных произведений.

Постоянно участвовала в художественных выставках в СССР и за рубежом.

Авторская подпись Маргариты Михайловны Шепелевой:

Сотников Алексей Георгиевич (1904–1989)

Сотников Алексей Георгиевич (1904–1989) – скульптор-фарфорист, выдающийся мастер фарфоровой пластики. Заслуженный художник РСФСР. Его скульптура “Сокол” стала символом Дулевского фарфорового завода.

Родился в кубанской станице Михайловская Краснодарского края. В детстве, как и его сверстники, лепил игрушки из глины или из кубанского чернозема. В 1918 г. поступил в профтехшколу. В 1925 г. уехал в Краснодар, где учился в художественно-педагогическом техникуме у М.В. Ружейникова. В 1928-31 гг. учился во ВХУТЕИНе. Его преподавателями были В.Е. Татлин, Л.А. Бруни, И.С. Ефимов, П.В. Кузнецов, О.Т. Павленко, Д.П. Штеренберг.
Наибольшее влияние на Алексея Георгиевича оказал В.Е. Татлин, который вел конструирование новых бытовых вещей. Его лозунг «Через раскрытие материала к новой вещи» на третьем курсе инспирировал Сотникова на создание набора детской посуды «Первая детская посуда», который представлял собой блок из десяти фарфоровых поильников, уложенных в специально сплетенную из лозы корзину для хранения и переноски. Сосуд не делился на части, а был единым целым, как округлый плод с дерева, а при падении поильник катился, но не разбивался.
В 1831 ВХУТЕИН расформирован, и 1931-34 гг. А.Г. Сотников работал с В.Е. Татлиным в лаборатории по культуре материалов при Наркомпросе РСФСР, трудясь над керамикой и аппаратом «Летатлин». В 1934 году Алексея Георгиевича берут в штат Дулевского фарфорового завода, где он и проработает всю свою дальнейшую жизнь.
А.Г. Сотников работал в монументально-декоративной, станковой скульптуре. Он является автором многочисленных анималистических, жанровых и декоративных композиций, моделей сервизов, ваз и др. В целом, за свою творческую карьеру, он создал более 200 работ.
В скульптуре довоенного периода можно увидеть много обобщения, стилизации форм. В 1930-е гг. Сотников создает масштабные фигуры В.И. Ленина и И.В. Сталина, скульптурные композиции «Чапаев на коне», «Катание на коне», статуэтку «Танцующий казачок», а также анималистическую пластику, высоко оцененную современниками. В 1937 году скульптура “Ягненок” получила Золотую медаль на Всемирной выставке 1937 года в Париже. Эта работа, вместе с «Курицей» (1937) экспонировались на Всемирной Выставке Нью-Йорке «Мир завтрашнего дня» в 1939 году. А.Г. Сотников говорил о последней композиции: “Объем, плоскость, кривые и прямые линии, контрастируя между собой, стремятся к совершенству”. Также Сотников работает над эскизами фонтаном («Эскиз модели детского фонтана», эскизы фонтана «Рыбки», фонтан с медвежонком и др.)
Большим проектом была массивная, украшенная скульптурными композициями ваза «Цвети Советский край», которую А. Сотников в 1937 году экспонирует на выставке «Индустрия социализма».
В начале 1940-х гг. работает над жанровыми сценами («Уход за конем», «Мальчик с поросенком») и городскими, народными типажами («Кондуктор», «Дворник», «Штукатур»).
С началом Второй Мировой войны, создает инспирированные ей скульптуры и скульптурные композиции. Колме того, в 1942-45 гг. он был скульптором в студии военных художников М.Б. Грекова. («Танкист», «Связист», 1941; «Встреча героя», «Автоматчики», 1945; «Помощь раненому автоматчику», 1946). Также в это время он работает над большим проектом – вазой «Победа», украшенной барельефами. 23 февраля 1944, в день Советской армии, ваза демонстрировалась на выставке художников студии М.Б. Грекова, в Центральном доме Красной Армии в Москве. После войны вазу установили рядом со знаменем, водруженным над Рейхстагом, в зале Победы Центрального музея Советской Армии в Москве.
Кроме того, во второй половине 1940-х – начале 1950-х гг. А. Г. Сотников работает и над жанровыми сценами («Каменьщик», «Кубанский чабан», «Горнист», икорница «Лодка», «Онегин и Татьяна), над многочисленной анималистической скульптурой (шкатулки «Скворцы. Первый вылет», «Шкатулка с овечкой», «Шкатулка с голубями», «Жаркий день (На птичнике)», «Чайка»; композиции «Ласточкино гнездо», «Переполох (Гусиный переполох)», «Охота на волка», «Козленок», «Семья (Грачи)»).
В целом в течение 1950-х гг. и позднее изображения людей становятся более анатомически выверенными («Богдан Хмельницкий», 1954; «Красноармеец с ребенком», 1958; «Свинарки», 1955-57; «Возвращение с охоты», 1955-57, «Байдарка (Байдарочница)», 1956, «Юные рыбаки», 1953; «Счастливые рыбаки», 1958, «Русская Баня», 1960, «В школу», 1964, «За жизнь», 1965, «Дед Мазай и зайцы», 1970). При этом, скульптор, наоборот, часто больше стилизует фигуры животных, геометризируя, упрощая формы (Пьющая курица, 1959; Птица, 1957; Взлетающий голубь, 1959; Кукушка, 1955; «Выстрел, 1961», «Гадкий утенок», 1962; «Лев в цирке», 1963-64; «Соболь (Песец)», 1971; «Материнство», 1972, «Весна», 1976).
В 1958 был А.Г. Сотников удостоен Гран-при на Всемирной выставке в Брюсселе за скульптуры «Курица» (1937) и «Сокол» (1957). Первая Всемирная выставка после Второй мировой войны собрала четыре десятка стран-участниц и явилась символом возвращения к мирной жизни. С 1964 года графическое изображение скульптуры «Сокол» стало товарным знаком Дулевского фарфорового завода. Во второй половине 1940-х гг. вместе с другими скульпторами работает над барельефами из майолики для вестибюля кольцевой станции Таганская. Кроме П. Кожина над барельефами работали такие мастера как Е. П. Блинова, П.М. Кожин, А. Д. Бржезицкая, З. С. Соколова. Также скульптор трудился и над сервизами («Скифский», 1938; «Кубанский», 1959; «Курган», 1960)
Также интересны и нереализованные проекты мастера. В 1957 г. к сорокалетию Октябрьской революции скульптор готовил большую вазу под названием “Цвети, Советский край” (“Наша Родина”). Четырехъярусный корпус вазы заполняли восемь горельефов “Свадьба в колхозе”, “Ленин среди крестьян”, “Шахтеры”, “Скотницы”, “Из бани”, “Из роддома”, “Школа” и “Материнство”. Трудности технического характера оставили этот проект нереализованным, но барельефы встречаются в музеях и частных собраниях.
Также Алексей Георгиевич готовил к Всемирной Выставке в Париже 1964 года огромный проект: композицию «Карта советского союза» (1964), размером в 106 квадратных метров. Но, к сожалению, проект не был завершен, оставив после себя фрагменты и эскизы.
Работы А. Г. Сотникова представлены во многих музейных собраниях, таких как Государственная Третьяковская галерея, которая собирала монографическую коллекцию работ скульптура в 1980-х годах непосредственно в его мастерской, Государственный Русский музей, Государственный музей керамики «Усадьба Кусково», Сумский художественный музей (Украина), музеях Риги (Латвия), Великого Новгорода, Брянска и др.

 

Василий Николаевич Яковлев (1893 – 1953)

Василий Николаевич Яковлев — Известный русский и советский художник, строгий приверженец академической живописной манеры. Стремился соединить «стиль старых мастеров» с программой соцреализма, педагог, реставратор, Народный художник РСФСР с 1943, лауреат двух Сталинских премий.

Василий Яковлев родился 2 (14) января 1893 года на окраине Москвы  в многодетной богатой купеческой семье, сохранявшей еще многое из того старого быта. После революции  семью Яковлевых как и всех купцов в то время разорили.  По легенде: Дядя Василия Николаевича зарыл в лесу золото и драгоценности, а когда через несколько лет пришел его откапывать, то не нашел своего клада и повесился на ближайшем суку. Василий был вторым по старшинству из четырех братьев, рос здоровым и крепким мальчиком. Рано увлекся рисованием. Детство Василия прошло на окраинах Москвы. С ранних лет он любил подмосковную природу, всегда с особым щемящим чувством вспоминая подмосковные зимние и летние пейзажи. Природа одарила его прекрасной памятью, которая цепко хранила все детали вечерних прогулок на лыжах в зимние дни, поездок на лодке по маленькой речке, заросшей травой, в летние месяцы, а также груды какой-нибудь живности или снеди на телеге мясника или на прилавке торговца в ближайшей лавке. Его первое знакомство с искусством было связано с посещением Третьяковской галереи, с впечатлением от увиденных картин выдающихся русских живописцев. Позже посещения стали регулярными, а талантливый отрок по памяти и по изображениям в иллюстрированных журналах, которые выписывали родители, стал воспроизводить произведения искусства, которые поражали его воображение. Среди первых своих впечатлений он впоследствии часто вспоминал «Запорожцев» Ильи Репина.      В 1911 году поступил на физико-математический факультет Московского университета. Через год начал посещать художественную студию одного из наиболее уважаемых педагогов тогдашней Москвы Василия Никитича Мешкова (1868—1946), который годы спустя станет его тестем, поскольку дочка Мешкова, красивая голубоглазая и темпераментная блондинка Екатерина, станет женой Василия Яковлева. Яковлев, как и Рубенс, впоследствии часто писал жену обнаженной в постели с кроликами, кошками и маленькими собачками в руках. Портреты получались шикарные, но отдавали борделем… Прозанимавшись у Мешкова чуть больше года, в 1914 году Василий Николаевич поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его педагогами выступили Абрам Архипов (1862—1930), Константин Коровин (1861—1939) и Сергей Малютина (1859—1937).  Учась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), Яковлев прилагал все силы к тому, чтобы не только повысить свое техническое мастерство, но и освоить те принципиальные приемы построения образа, которые казались ему необходимыми для большого и серьезного искусства. Настоящим событием в его художественной биографии явилось посещение им петербургского Эрмитажа в 1915 году. В Эрмитаже Яковлева более всего восхитила мужественная суровость старых мастеров, а его любимым художником сразу стал строгий и мрачный испанец Рибейра— самый «черный» из всех музейных мастеров. В последующие годы он потратил много сил и времени на изучение техники старых мастеров, постигал их секреты, старательно копировал их шедевры и в этом добился впечатляющих успехов. Постепенно занятия в училище начали тяготить молодого художника. Его разочарование было в первую очередь связано с тем, что он так и не сумел найти там той строгой, серьезной живописной школы, которой он жаждал, к которой стремился. Тем не менее, он блестяще окончил МУЖВЗ в 1916 году и, переехав в столицу, поступил в Высшее художественное училище при Императорской Академии художеств, в котором проучился только год до Октябрьского переворота.

В первые годы после Октябрьского переворота руководящую роль в искусстве захватили формалисты. Василий Николаевич, нашел себя в преподавательской деятельности. В Московском училище живописи были сохранены некоторые кафедры за мастерами старшего поколения, в том числе за С.В. Малютиным. Яковлев был его ассистентом с 1918 года, а в 1919 году стал «главным мастером» Свободных Государственных художественных мастерских и оставался им в течение трех лет. Обладая незаурядным даром художника-преподавателя, он все внимание обращал на рисунок и умел добиваться от своих учеников превосходных результатов. В 1920—1922 годах художник преподавал и в Московском высшем техническом училище. Главная же его работа в те годы протекала над изучением старых мастеров. Изучив их картины до тонкости, он стал превосходным знатоком старой живописной техники. Это привело к тому, что Яковлев стал реставратором старых картин, с неоспоримым мастерством восстанавливая их, порой подлинно воскрешая. Эта работа принесла огромную пользу самому художнику, введя его в творческую лабораторию великих мастеров искусства. В этот период художник выполнил ряд работ для Музея земледелия при  Московском областном земельном отделе (МОЗО), а в 1922 году одним из первых вступил в АХРР, сразу став ее активным членом. С 1924 по 1926 год Яковлев являлся художником-реставратором Центральных государственных реставрационных мастерских (ЦГРМ), работал в секции новой живописи. При его участии в секции была произведена реставрация известных произведений живописи, таких как – «Мадонна с Младенцем», «Се человек» Яна Мостарта, работы  Рембрандта Xарменса ван Рейна, Франческо Гварди, Карло Дольчи. С 1926 и по 1932 год Василий Николаевич занимал должность хранителя-реставратора, заведовал реставрационной мастерской Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. В 1927 году был командирован Наркомпросом в Западную Европу для изучения организации реставрационного дела в Германии (Берлин, Дрезден) и Франции (Париж). В последующем как реставратор станковой масляной живописи он внес неоценимый практический и теоретический вклад в спасение и сохранение дореволюционной и советской живописи.  Художник много путешествовал, побывав на берегах Баренцева моря и в гостях у рыбаков рыболовецких колхозов на Каспии. Выполнил целую серию замечательных картин в Киргизии и Хабаровске. Подмосковные пейзажи в его творчестве перемежались видами озера Иссык-куль. В 1932 году по приглашению А. М. Горького, Яковлев поехал в Италию к великому русскому писателю и с подлинной симпатией писал людей и пейзажи Средиземного моря, создав ряд выдающихся по мастерству картин, из которых выделяются виды Сорренто. В далекой солнечной Италии его в первую очередь интересовали простые трудящиеся люди: погонщики мулов, нищие и рыбаки, а любимыми темами были берег моря, рыбацкие лодки и ларьки с рыбой, которые прельщали больше, чем витрины магазинов. Во время своей поездки в Италию художник написал свой известный портрет А. М. Горького.

При всем разнообразии художественных жанров, в которых работал Василий Николаевич, портретный жанр в его творчестве всегда занимал особое место. Если его ранним портретам были свойственны тональная резкость, чернота и сухость живописи, то в 1930-х годах в палитре художника появились звучные краски. Его портреты всегда подкупали особой правдивостью и портретным сходством, законченностью формы, но вместе с тем несли в себе некоторую салонность. Кроме станковой живописи художник постоянно обращался к графике — выполнил несколько автопортретов и множество рисунков обнаженной натуры. В 1939 году Яковлев был приглашен на пост главного художника Всесоюзной сельскохозяйственной выставки (ВСХВ, в дальнейшем ВДНХ). Успешное руководство бригадами художников принесло ему первую высокую правительственную награду — орден Ленина.

Наивысшую точку в развитии живописи Василий Николаевич достиг  в годы Великой Отечественной войны, неоднократно выезжая на фронт, выполняя задания по написанию портретов. В этот период Яковлев написал ряд батальных картин, создал ряд героических портретов военных и исторических деятелей, среди которых были работы представленные в нашей галерее. В 1943 году Василий Николаевич Яковлев получил высшее звание народного художника РСФСР.

В послевоенные годы Василий Николаевич продолжал активно заниматься педагогической деятельностью, которую считал важнейшей составляющей в творческом становлении каждого художника. Щедро делясь с молодежью накопленными знаниями, навыками и умением, художник сам получал дополнительный прилив творческих сил, открывал для себя новые горизонты художественного мастерства. С 1948 по 1950 годы преподавал в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова (МГАХИ). В 1952 году Василий Яковлев вместе с Павлом Соколовым-Скаля руководил реставрационными работами панорамы Франца Рубо «Оборона Севастополя», сильно поврежденной бомбардировками и артиллерийскими обстрелами. Она была спасена от полного уничтожения моряками-черноморцами и вывезена на эсминце «Ташкент» из осажденного города 25 июня 1942 года (удалось спасти 86 отдельных частей картины). Также Яковлев пробовал себя и как литератор, написав в 1930-е годы автобиографическую повесть «Фрол Скопин» (опубликована в его посмертной очерковой книге «Мое призвание», 1963); также «О живописи» (1951), «О великих русских художниках» (1952). Василий Николаевич Яковлев скончался 29 июня 1953 года в Москве. Был похоронен на Новодевичьем кладбищ. Сегодня произведения художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском Музее, Государственном изобразительном музее им. А. С. Пушкина, Музее современной истории России, Музее обороны и блокады Ленинграда, Центральном музее Вооруженных Сил Российской Федерации и многих других крупных музеях страны и частных собраниях.

 

Нина Александровна Малышева (1914 — 1983)

Нина Александровна Малышева (урождённая Ситникова; 1914 — 1983) — советский скульптор-фарфорист.

Нина Малышева родилась 23 октября 1914 года в Орле в купеческой семье Ситниковых. В 1926 году семья переехала в Москву. В начале 1930-х гг. Нина Александровна окончила школу-семилетку, где на постоянной основе работала в стенгазете, и поступила в школу фабрично-заводского ученичества в группу токарей по металлу. В 1933 году комсомольская организация дает Малышевой путевку в художественное училище памяти 1905 года. Там среди её преподавателей были С. И. Фролов, А.Н. Чириков, Н. П. Крымов. Скульптуре она училась у И. Ф. Рахманова. После окончания училища в 1937 году была художественным руководителем в Доме художественного воспитания детей, преподавала в школе.

Во время Великой Отечественной войны вместе с маленькой дочерью была в эвакуации в Кустанае (Северный Казахстан). В это время художественные институты находились в эвакуации в Самарканде, и Н. Малышева подала заявление в Московский институт прикладного и декоративного искусства (МИПИДИ). В 1942 году ее принимают на второй курс факультета художественной керамики. Дипломная работа Нины Александровны была вдохновлена окружавшей ее жизнью Ближнего Востока: “Сборщик хлопка”, “Колхозник с Кетменем”, “Вышивальщица Сюзане”. Осенью 1943 года институт вернулся в Москву, и в его рамках был организован факультет декоративной скульптуры, куда и перешла Н. Малышева. Возглавила факультет Е.Ф. Белашова, также преподавала скульптуру Н.Г. Зеленская. Живописью студенты занимались под руководством Р.Р. Фалька.

Через несколько лет после окончания институт в 1947 году, Н. Малышева пошла работать на Дулёвский фарфоровый завод, где проработала до конца жизни. Одной из главных тем творчества скульптора стала тематика материнства и детства. В 1949 году она создала сюиту «Счастливое материнство», в которую вошли композиции «Крайний Север», “Мать-грузинка”, “Мать-узбечка”. Ее творчество начала 1950-х гг. во многом обращается к детству: “Девочка кормит кур”, “Маленький охотник”, “Самолет прилетел”, “Танцующая девочка-таджичка” и “Мальчик-таджик с бубном”.  Эти непосредственные, живые работы неоднократно экспонировались и выпускались заводом массовыми тиражами.

В 1953 году участвовала в создании серии «Советские социалистические республики» («Шестнадцать республик»). Туда также вошли работы, созданные А.Д. Бржезицкой, О. М. Богдановой, Г. Д. Чечулиной в рамках Государственного заказа по подготовке к ВСХВ. Еще одним масштабным и сложным проектом стала серия скульптур по мотивам былины “Садко и Волхова” (Легенда о ландыше) и оперы Н.А. Римского-Корсакова “Садко”: “Любава”, “Волхова”, “Садко”, “Ладья”.

Также в 1950-х годах на заводе ею были созданы скульптуры “Маникюр” («Сплетницы»), “Телефонный разговор”, “Газировка”, “Заблудились”, “Прогулка”, “Песня дружбы”, “Кубинка (Куба)”, “Юная балерина”, “А ну-ка отними”, “Мечтатель”, “У моря”, “Утро” и другие. Многие её произведения посвящены танцу: “Лявониха” (1955), “Уральская кадриль” (1956), “Лезгинка” (1956), “Лявониха” (1956), “Русский перепляс” (1972), “Жок” (1972). В 1960-е годы она выполнила портреты артистов балета: Майи Плисецкой в “Кармен” и “Лебедином озере”, Екатерины Максимовой в “Жизели”, Юрия Жданова в “Ромео и Джульетте”. А также такие живые, наполненные эмоциями жанровые работы как “Близнецы”, “Шалунья над ручьем”, “Натурщица с ромашкой”, “У фотографа (портрет по пояс)”, “С новосельем”.

“В своем искусстве я старалась отразить реальную жизнь в разных, кажущихся мне наиболее существенными аспектах”, – сообщала скульптор. “Первые мои шаги в работе над художественным образом начинаются с набросков – на улице, в метро”. Ряд своих работ Нина Малышева назвала зарисовками с натуры: «Московские зарисовки» (1954), «На Пушкинском бульваре» (1958), серия пляжных зарисовок (1959). Некоторые ее работы имеют сатирическую направленность. Например, в скульптурах «Трутни» (1961) и «На одной волне» (1966), она высмеивала стиляг.

В 1970-х годах она выполнила ряд работ по мотивам произведений А. Н. Островского: “Правда хорошо, а счастье лучше”, “Гроза”, “Бесприданница”, “Снегурочка”. Нина Александровна создала много скульптур по литературным произведениям и их постановкам (“Драма. Ф Раневская”, “Роман с контрабасом” по А.П. Чехову; “Софья и Чацкий”,  “Фамусов и Лиза”, “Молчалин и Хлестова” по “Горю от ума” А.С. Грибоедова; “Красная Шапочка”, “Сказка о Золушке” по сказкам Ш. Перро; “Казначейша” по Лермонтову и др.) Разнообразна серия миниатюр “Костюмы эпох. 1812-1830 гг.” (“Лиза”, “Вальс”, “Русская красна-девица”, “Прогулка”, “Златошвейка” и др.). В своих скульптурах Нина Малышева большое внимание уделяла изображению лиц, причёсок и деталей одежды. Для своих статуэток она была автором не только форм, но и образцов росписи.

Нина Малышева принимала участие в городских, региональных, всесоюзных и международных выставках. В 1982 году в Москве состоялась её персональная выставка. Работы Нины Малышевой хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Всероссийском музее декоративного искусства, Государственном музее керамики Кусково, музее Дулёвского фарфорового завода, Тверской областной картинной галерее, Омском областном музее изобразительных искусств имени М. А. Врубеля, Луганском областном художественном музее и других музеях

Марки Дулевского фарфорового завода (Дулево) по годам

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Кожин Павел Михайлович (1904—1976)

Кожин Павел Михайлович (1904—1976) – советский скульптор-керамист, график. В основном создавал работы анималистического жанра. Его творческая практика преимущественно связана с Дулевским фарфоровым заводом, но также он работал на Дмитровском фарфоровом и Конаковском фаянсовом и других заводах. Участник многочисленных выставок (золотая медаль Международной выставки в Париже, 1937 г; серебряная – Международной выставки в Брюсселе, 1958 г.). Ведущий художник Дулёвского фарфорового завода с 1938 года. С 1962 года преподаватель Московского высшего художественно-промышленного (Строгановского) училища. С 1935 года член Союза художников СССР.

Родился в деревне Быковка Нижегородской губернии (Марийская АССР). После Октябрьской революции переезжает в Москву, где поступает на работу учеником-печатником в Первую Образцовую типографию. В 1926 году Павел Кожин поступает в Ленинградский высший художественно-технический институт (ВХУТЕИН). 

Заканчивает институт с квалификацией художника-конструктора керамики. Учился у И. М. Чайкова, И. С. Ефимова, В. Е. Татлина, А. В. Куприна, П. В. Кузнецова, испытал влияние В. А. Фаворского. Проходил производственную практику в Первой художественно-керамической лаборатории (ГМК «Кусково»). Незадолго до окончания института выполнял модели функциональной посуды по курсу В.Е. Татлина на Дулевском фарфоровом заводе.

В 1931 году, после окончания института, Кожин в течение года работает на Дмитровском фарфоровом заводе, куда он отправлен в составе бригады выпускников ВХУТЕИНа для создания образцов росписи чайной посуды. В 1932-1934 гг. Кожин заведовал керамической лабораторией Института кустарной промышленности в Москве (в цветном стекле – табакерки «Горный баран» и «Всадник», 1932 г.). В 1932-1935 годах работает по договорам для Конаковского фаянсового, Дулевского и Дмитровского фарфоровых заводов, с «Всекохудожником». К работам этого периода относится вазочка «Погоня» (1932), минималистичные росписи тарелок, скульптуры «Частушки» (1929 г.), «Беременная» (1930 г.), дружеские шаржи на академика Грабаря и искусствоведа Морозова (1933 г., фаянс), юмористическая фигура «Старик со старухой» по мотивам сказки А. С. Пушкина (1933 г.). 

С 1935 по 1937 гг., после получения премии на конкурсе лучших образцов фарфорово-фаянсовой промышленности, работает в штате Конаковского фаянсового завода. Там он, в частности, создает ряд произведений для Всемирной Парижской выставки 1937 года. В 1927 – 1928 гг., будучи еще студентом, П. М. Кожин создал в Конаково скульптуру из серии «Марийцы», кувшин «Лиса и виноград», основание для лампы «Индустрия», серию тарелок с ручной росписью «Знойное лето», «Море», «Ущелье» др., в 1935 – 1937 гг. – серию анималистических скульптур – «Соболек», «Куница», «Волк», «Лиса», «Выдра с рыбкой» и др., а также вазу «Горные бараны» и кувшин «Восточный дворик».

С середины 1930-х годов художник все больше сосредотачивается на анималистической пластике. В это время появляются такие работы как «Лиса и орел» (1933 г.), «Орел и змея» (1934 г.), «Лань и борзая» (1934 г.) и др. Также Кожин работает и в монументальной скульптуре (скульптурный фонтан «Лань с тиграми» для московского ресторана «Арагви», 1930-е гг.).

В 1938 году Кожин назначен ведущим скульптором Дулевского фарфорового завода. Он выполняет в фарфоре скульптуры «Лесоруб», «Продавец сосисок», «Милиционер», «Поп и Балда», «Снятие Паранджи», «Молодёжь» и др.). В это время он продолжает работать над анималистической скульптурой, но также обращается и к другим видам мелкой пластики. В конце 1930-х – начале 1940-х гг. он выполняет в фарфоре жанровые статуэтки («Лесоруб», 1939; «Продавец сосисок», 1939; «Милиционер», 1939), пробует свои силы в области сатирического жанра («Поп и Балда», «Сказка о рыбаке и рыбке»), социальных темах и темах из жизни советского человека («Снятие Паранджи», 1938; «Молодежь», 1938; «Горновщик», 1939). В 1940 – начале 1950-х гг. Кожин создает многофигурные композиции в историко-патриотическом жанре («Степан Разин», 1940; «Воззвание Козьмы Минина», 1947; «Победа Александра Невского», 1940-е гг; «Разгром фашистских захватчиков», 1945; «Разгром белогвардейцев», 1949). В 1941 – 1945 гг. работает на военных проектах.

Во второй половине 1940-х гг. вместе с другими скульпторами работает над барельефами из майолики для вестибюля кольцевой станции Таганская. Кроме П. Кожина над барельефами работали такие мастера как Е. П. Блинова, А. Г. Сотников, А. Д. Бржезицкая, З. С. Соколова.

В 1950 г. совместно с А.Д. Бржезицкой и Н.А. Малышевой выполняет многофигурную композицию “Международный фестиваль молодежи в Будапеште”.

В послевоенные годы П. М. Кожин продолжает заниматься тематической, сюжетной мелкой пластикой. Он часто обращается к фольклору, сказке, создавая сложные красочные композиции («Боян», 1949; «Дар хозяйки медной горы», 1952; «Гуси-лебеди (Похищение Иванушки)», 1954; лампа «Каменный цветок», 1955). Для многих их них роспись исполняет его супруга Маргарита Шепелева-Кожина, которая пришла на завод в 1947 г. Также совместно с М. Шепелевой в 1960-х гг. он выполняет фольклорные фигурки, статуэтки представляющие жизнь народностей («Любимая курочка», 1964; «Московская», 1967; «Армения», 1967 и др.)

Работая на Дулевском фарфоровом заводе, П. М. Кожин не порывал, однако, связей с Конаковским фаянсовым заводом. Он выполнял для фаянса многие свои работы. Прежде всего, это были его анималистические скульптуры, которые выполнялись обычно в технике потечных цветных глазурей и выпускались заводом как майолики. В том числе, «Фазан» (1951 г.), «Молодой глухарь» (1950 г.), «Старый тетерев» (1951 г.), «Куропатка» (1951 г.), «Горностай» (1951 г.), «Речной окунь» и многие другие. Многие произведения П. М. Кожина тиражировались на Конаковском фаянсовом заводе. Также скульптор сотрудничал с Гжельским заводом (с 1960 г. был председателем художественного совета Гжельского керамического завода), Рижским фарфоро-фаянсовым заводом.

С 1962 года преподавал в МВХПУ на керамико-стекольном отделении.

Кроме фарфоровой пластики, П. Кожин работал над созданием принципиально новых художественных форм бытовых предметов, ваз, ламп, декоративной керамики и сервизов. В общем, его работы сохранились и как экспериментальные, выставочные образцы, но также и выпускались значительными тиражами.

С 1930 года П. М. Кожин участвовал в многочисленных выставках, в том числе, во Всемирной Парижской выставке (1937 г. – удостоен золотой медали за фаянсовые фигуры, исполненные в 1936 г., – «Волк», «Куница», «Соболек», «Выпь»); в Выставке художественной промышленности в Копенгагене (1954 г.); Всемирной выставке в Брюсселе (1958 г. – получил серебряную медаль); в советских промышленных выставках за рубежом (1950-е гг.); во Всесоюзных художественных выставках; в Выставке «Индустрия социализма» (1939 г.); в Выставке лучших произведений советского изобразительного искусства (1940 г.); в Выставке фарфора в ГРМ (1948 г.) и др.

Авторская подпись Павла Кожина:

Аста Давыдовна Бржезицкая (1912 — 2004)

Аста (Августа) Давыдовна Бржезицкая (1912 — 2004) — советский скульптор-фарфорист. 

Творческая биография Асты Бржезицкой неразделимо связана с Дулевским фарфоровым заводом, где она создала более двухсот пятидесяти моделей скульптуры. Среди ее произведений – фарфоровые фигуры на темы литературных и сказочных сюжетов, театра, циркового искусства, музыки, животных. Бржезицкая воспроизводила в фарфоре и сцены повседневности, жанровые сцены, отразившие жизнь ее современников («Голосование», 1950; «На парад», 1950; «Лето», 1957; «Свидание», 1965; «В бане», кон. 1960-х гг., сюита «Времена года», 1980-81), события жизни советского (и не только) ребенка («Суворовец (Первый вальс)», 1950; «Мальчик со скворечником», 1953; «Дружба (Тамбей)», 1981).

Аста Бржезицкая родилась в семье художника прикладного искусства Евгении Зискинд. Систематически скульптурой начала заниматься с двенадцати лет в мастерской отчима скульптора И.А. Менделевича.

После окончания школы, с 1930 года училась в МХПУ им. М. И. Калинина (вольнослушателем, класс скульптора-керамиста Б. Н. Ланге), с 1937 — на факультете монументальной скульптуры МГХИ им. В. И. Сурикова, который окончила в 1944 году (класс скульптуры профессора А. Т. Матвеева; в годы войны находилась в эвакуации в Красноярске); дипломная работа — скульптурный портрет адмирала Ф. Ф. Ушакова (выполнен на Дулёвском заводе). С 1938 года в период практики на Дулёвском заводе училась живописи на фарфоре у Ф. Ф. Маслова. Также одними из ранних работ скульптора являются «Петр I» (1946) и проект памятника Юрию Долгорукому (1947).

В 1946 году Аста Бржезицкая приходит работать на Дулевский фарфоровый завод. В более ранние годы, как она сама впоследствии писала, она «глушила скульптуру обстоятельной этнографической росписью, сводя на нет пластические достижения. Потом стала оставлять скульптуру белой с легким золотистым декором и одним-двумя пятнами. Когда технологические возможности завода расширились, стала писать солями. Ограничивая и без того небогатую палитру, пришла к выводу, что цельнее смотрятся работы, расписанные одним цветом, например, кобальтом – от светло-голубого до темно-синего. Главное найти меру белому цвету». 

В 1950 году участвовала в оформлении станции «Таганская» Московского метрополитена (барельефы, майолика). Также над барельефами работали такие мастера как Е. П. Блинова, П.М. Кожин, А. Г. Сотников, З. С. Соколова. В 1953 году участвовала в создании серии «Советские социалистические республики» («Шестнадцать республик»). Туда также вошли работы, созданные Н. А. Малышевой, О. М. Богдановой, Г. Д. Чечулиной в рамках Государственного заказа по подготовке к ВСХВ.

Жизнь театра, атмосфера цирка — одни из любимых тем скульптора. Скульптор всегда повторяла: «Я — театралка»! С театром была связана её биография, начиная с детства, семьи, дружеских отношений с актёрами и режиссёрами. Она создала множество скульптурных композиций на темы театральных постановок, портретов актеров и деятелей культуры («Земфира сидящая (Цыганка)», 1947; «Ромео и Джульетта», 1955; «Хозяйка Медной горы», 1955; «Вишневый сад», 1977-80; серия «Народные таланты»; 1969-70; сюита «Вахтанговцы. Принцесса Турандот», 1972; «Король Лир», 1990). Тема цирка также вдохновляла скульптора (сюита «Цирк», 1968). 

Разнообразием отличались работы Бржезицкой на тему сказок и литературных персонажей (Песня Леля (Лель и снегурочка)», 1946; «Руслан и Черномор», 1957; туалетный набор «Принцесса на горошине», 1955; «Ковер-самолет», 1957; «Красная шапочка», 1968 и др.). За серию работ «Любимый герой» (1957) скульптор получает бронзовую медаль на Всемирной выставке в Брюсселе в 1958 году.

Член Красноярского отделения Союза советских художников (с 1940-х).

Участница российских и зарубежных выставок (Всемирная в Брюсселе – 1958 г.; Международные выставки керамики в Остенде – 1959 г. и Праге – 1962 г.). Персональные выставки художницы проходили в Москве (1983, 1990, 1993).

Работы А.Д. Бржезицкой находятся в Государственной Третьяковской галерее (Москва), Государственном Русском музее (Санкт-Петербург), Музее керамики и усадьбе «Кусково», Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства (Москва), московских театрах, в художественных и литературных музеях в России и Латвии, а также в частных коллекциях в России и США.

Авторская подпись скульптора: